J’ai suivi pendant quelques heures le travail de Salomé, installée à la japonaise à son établi de la cité internationale des Arts.

Les premières étapes de sculpture du bois et de pose des premières couches de laque épaisses avaient été réalisées dans l’ atelier de Twann, (canton de Bern).

Ce que vous verrez ici sont les étapes de pose de laque intermédiaire, le nettoyage et l’affûtage des pinceaux en cheveux, le choix des couleurs de laque, la pose de poudre d’or, la mise à sécher dans un coffre à l’hygrométrie stable, à l’abri de la poussière, le polissage avant la pose d’une nouvelle couche de laque.

Chaque pièce prend ainsi des jours et des jours pour être réalisée et toute erreur peut être fatale.
Zen, avez-vous dit? apprentissage de la patience et grande humilité pour sûr!

Choix du pinceau :

Les pinceaux sont réalisés en cheveux naturels de femmes asiatiques, les seuls assez solides. Ils coûtent au minimum 300 euros et font l’objet de soins attentifs.
Ils contiennent 10cm de cheveux et se taillent au couteau.

Pinces et tubes de laque Urushi

Depuis la fin du 19ème siècle, on sait transporter la laque Urushi du Japon (résine de l’arbre Rhus Verniciflua) en conteneurs hermétiques. Auparavant, la laque arrivait en Europe séchée par les mois de traversée en bateau et donc inutilisable.
Maintenant, Salomé la choisit en tube, comme de la peinture, et se la fait expédier du Japon. Il existe plusieurs nuances, de l’ambre clair au noir en passant par les très beaux rouges bien connus. Les qualités (finesse) varient également, et leur prix aussi !

Pose de la poudre d’or :

Une de mes pièces favorites !

Agathe exposera ses nouvelles pièces, nommées Funky Croco et FunkIvory, de drôles de nom pour illustrer ses bijoux en ivoire végétal laqué ou en argent massif ciselé et laqué, comme cette manchette :

Voici, en avant-première, le texte qui accompagnera ses bijoux :

Multicolore ou polychrome ?
Plasticienne, verrier, créatrice de bijoux… Agathe Saint Girons façonne depuis 20 ans toutes les matières qui l’inspirent pour donner corps à ses créations les plus folles. Une sensibilité particulière aux mots, aux sentiments, aux caractéristiques biologiques de l’être humain l’amène à créer des bijoux émouvants, poétiques et drôles.

Les matériaux de prédilection de cette artiste sont l’or rose, l’or gris naturel, l’argent, le verre, mais elle pourra essayer de travailler toute matière qui la touche, douce ou âpre, tiède ou fraîche, organique ou minérale, toujours précieuse au sens de sa beauté naturelle ou de par l’intervention de l’artiste…
J’ai choisi de présenter ici les pièces très colorées d’un univers qui mélange avec bonheur des matières métalliques, organiques et synthétiques. En argent ou en or, les bijoux invitent l’ivoire végétal, matière naturelle issue d’un arbre d’Amérique du sud cultivé depuis des millénaires…
Toute une histoire !
Insatisfaite d’une première bague en argent et ébène, créée pour le concours “Noces de bois”, Agathe trouve une autre matière d’origine végétale et se lance dans la réalisation d’un nouveau bijou.
Cette création s’est faite sous pression, au forceps. C’est peut-être ce qui lui donne sa force, car on y retrouve et l’intention du concours et la personnalité de la créatrice, forte, gaie, flamboyante avec son goût des messages…
La noix sera percée pour recevoir au centre un anneau d’argent massif, puis, elle sera recouverte par 7 couches de laque de couleurs différentes, requérant chacune plusieurs semaines de séchage ! Certaines seront poncées pour laisser apparaître des couches sous-jacentes. Un à-plat est créé sur le côté et une multitude de clous d’argent y dessinent un cœur, symbole « fétiche » de la créatrice.
Après ce premier bijou, plébiscité par les internautes, Agathe poursuit ses recherches… Demeurant dans le thème «nature polychrome» elle a appliqué les couches de laque directement sur l’argent massif, ayant auparavant ciselé ses pièces pour donner l’illusion d’une peau de crocodile. Ainsi sont nés le collier et la manchette « Funky croco »… et l’histoire continue aujourd’hui avec les « FunkIvory ».

Claire Wolfstirn quant à elle présentera 6 pièces en acier et en or qui illustre un travail jouant sur la dualité fragilité-solidité de la matière symboliques de la fragilité de la vie.
Voici le texte illustrant le travail de Claire :

L’événement est suffisamment rare pour qu’on le fasse savoir. Cette exposition collective organisée par le comité Francéclat veut illustrer la créativité, la modernité et les savoir-faire de la bijouterie-joaillerie. Son format contemporain a pour objectif de surprendre le public et de renouveler le regard qu’il porte sur le bijou.

Quand le comité m’avait confié la mission de réfléchir à une façon de présenter  la créativité d’artistes-bijoutiers d’avant-garde, j’avais proposé un espace qui raconteraient des « histoires de création ».
Cette idée fut retenue en partie et ainsi est né « Le Laboratoire de Création » qui permettra de découvrir un regard contemporain ou même d’avant-garde sur le bijou.
Les galeries n’ayant pas leur place dans une telle exposition, j’ai été invitée à présenter deux de nos artistes, Claire Wolfstirn et Agathe Saint Girons et j’ai pu juste signer les 2 totems qui les présentent. Je me suis attachée à décrire leur processus de création et leurs sources d’inspiration, respectant ainsi mon idée originale.

Agathe Saint Girons animera de nombreux ateliers pour les enfants, profitez donc de l’entrée gratuite pour visiter ce bel événement.

Agathe Saint Girons : Multicolores ou polychromes?

Les textes de l’exposition sont sur le blog. Pour les lire, cliquez ici.

Claire Wolfstirn : Herbes sages et herbes folles

Toutes les informations sur www.bijoux-reflets.com
Exposition Reflets, Palais de Tokyo, 13 avenue du Président Wilson, Paris 16ème
du mercredi 29 mai au lundi 3 juin, de 11h à 22h, entrée libre et gratuite.

Les textes de l’exposition sont sur le blog. Pour les lire, cliquez ici.

Née à Sierre (Suisse) en 1956, Salomé Lippuner est une artiste-joaillier qui a toujours été émerveillée par les qualités extraordinaires de la laque japonaise (Urushi) et créer des bijoux incorporant des laques est pour elle une véritable passion.
Après ses études de joaillerie à Zürich, Salomé s’est formée à l’art du laque auprès de Silvia Miklin-Kniefacz et Mashu Takubo à Vienne. Sa production a pris un grand essor après sa rencontre, à Wajima au Japon, de l’architecte Shinji Takagi et de l’artiste de laque Kunikatsu Seto.
Entre son imaginaire, les contraintes imposées par la technique de l’Urushi et une patience laborieuse, elle a développé, au fil des années, une écriture très personnelle reconnue jusqu’au Japon.

Certains de ses bijoux sont présents dans les plus grandes galeries européennes et ont été acquis par de grandes collections publiques et privées. En 2012, elle a participé à l’exposition « Urushi – Material used by European artists »au Museum für LackKunst de Münster (Allemagne).

Salomé, être lauréate de la Bourse de la Fondation bernoise de design, qu’est-ce que cela signifiait pour vous?
Comme lauréate, j’ai eu la grande chance de passer sept mois à la Cité Internationale des Arts sur les rives de la Seine. Ce n’était pas mon premier séjour à Paris, mais pour mon travail de laque japonaise Urushi, ce retour est significatif et, pour moi, comme un cercle de vie. C’est ici, très jeune, que j’ai « rencontré » l’oeuvre d’ Eileen Gray – une révélation.
En même temps, le monde s’est ouvert pour moi à Paris envers les cultures en dehors de l’Europe: l’Afrique surtout mais aussi l’Asie et l’Amérique, découvertes dans les musées parisiens, où j’ avais passé des jours, des semaines lors de mon premier séjour lors de l’été 1975 .

Revenir pour y travailler pendant une période plus longue grâce à la bourse de la fondation bernoise de Design me donnait une chance d’approfondir mon travail artistique et de le faire s’épanouir.

Pouvez-vous dire un mot de votre projet ?
Mon imagination me proposa le projet „nomade“ – venir avec peu, le minimum d’outils, un peu d’Urushi –voilà. S’ouvrir à ce qui se propose alors en „trouvailles“ en matières, dans ce contexte urbain. S’ouvrir aussi à ce qui arrive à moi tout personnellement et l’expression qui s’en forge.

Et l’impact de la Cité Internationale des Arts?
C’est à la Cité des Arts – les nations unies des artistes – que le monde s’est ouvert pour moi davantage – de façon différente. Etre immergée en ce carrefour de cultures et de toutes sortes de gens de création et de métiers d’art mène à l’élargissement de son propre horizon, mais en même temps à son contraire: à l’introspection, au questionnement du travail, du chemin déjà parcouru…
Une des situations typiques à la Cité est le besoin – suite aux rencontres permanentes – d’explication de son propre travail aux autres artistes : surtout quand il s’agit d’un art aussi inconnu que le mien.
Il faut s’adapter à son interlocuteur, à sa culture, sa langue aussi. Ce travail d’explication travaille en retour le cerveau, en augmentant la conscience qu’on en a, considérablement. – et remet en question .On finit par se regarder depuis l’extérieur, et – bien sûr – à incorporer certaines idées venues des nouvelles connaissances.
Par exemple j’ai expliqué à un artiste, que je me sers de la sève de l’arbre d’Urushi comme matière – en utilisant l’image du sang de l’arbre. Et c’est lui qui m’a coupé la parole en complétant mon français tâtonnant en me disant : « Est-ce que de ce sang je fais une peau qui tendrement enveloppe mes objets ? ».
C’est à dire, que l’autre artiste – homme de lettres et musicien – avait toute de suite compris. Il m’a mis sur la piste, où je me trouvais déjà, mais inconsciemment.

Qu’est-ce qu’est devenue cette piste, en terme d’œuvres ?
Cet incident m’a fait expérimenter les questions de la peau, du dedans et du dehors et aussi la fragilité qui en est immanente. L’expression „ Inside-out“ en anglais en montre encore une autre dimension.
D’où ces bijoux « INSIDEOUT » ou « FRAGILITÉ », où le support est une pelure enroulée. Enveloppée et endurcie par la force de l’Urushi, la matière fine obtient une stabilité tout en gardant l’expression fragile de ses formes de feuilles mortes, des peaux… avec leurs creux et leurs reliefs.
L’Urushi, avec ses qualités de transcendance et son lustre sait transporter parfaitement bien l’ expression de beauté et de fragilité. Les colliers TWIG par exemples font un jeu du très ancien thème de perles montées sur un fil. En remplaçant le fil partiellement par des formes naturelles de branches laquées, je crée un jeu de points et lignes dansants tout en changeant les symétries du corps humain.
Poser des accents en jouant avec l’espace, les matières. Et surtout j’aimerais encourager la femme, l’homme porteur de bijou, à jouer avec son propre corps, son apparence ; quotidiennement.
Les limites en moyens techniques que je me suis imposé m’ont renvoyée à des solutions simples, banales même. Un fil, d’acier, des coquilles de noix de coco, des perles, l’Urushi : c’ est tout et pourtant tout un monde à découvrir : les bagues « ALLEGRESSE » en sont témoin. Avoir peu de ressources impose une certaine liberté……c’est simple et merveilleux!
Et le fait que j’aime bien rassembler des gens autour d’ une table, les échanges qui se créent par le culinaire – la Cité des Arts est un endroit merveilleux pour faire de rencontrer du monde – a laissé ses traces parmi les bijoux, les créations « FISHBONE » en sont témoin.

Qu’est ce que un bijou?
La communication entre les êtres humains – c‘ est le très ancien domaine des bijoux.
Mes petits objets, sculptures de petite taille, ils deviennent miraculeusement bijou dès l‘instant de leur attribution à un corps humain. Et la personne ornée de telle façon sera vue par les autres : c‘ est l‘ancien jeu des yeux depuis la nuit des temps… Une communication sans paroles.

Et la matière Urushi, c’est quel genre de travail?
En travaillant la capricieuse laque Urushi, je me fais travailler par la matière autant que j’essaye de la maitriser. C’est une éducation, un dialogue entre la tête, les mains et la matière à conquérir.
L‘expérience, la spontanéité des idées et le tâtonnement des doigts sont en « défi ».  Tout le travail entre le savoir-faire et le vouloir faire est mis à la recherche d’une expression personnelle, avec tout mon respect devant les milliers de mains qui ont marqué la laque Urushi, les temps et les cultures avant moi, et tous à venir bien après moi, comme je l‘espère.
C‘est le goût pour la beauté, la passion et la découverte que je partage avec les artisans, les collectionneurs et les amis de la laque Urushi.

Et comment avez-vous trouvé la Galerie Elsa Vanier?
A la recherche permanente pour accéder à ce public intéressé, de goût et d’esprit ludique, j’ai trouvé Elsa Vanier – c’est chez elle que j’ai trouvé cette curiosité et ouverture d’esprit que j’aime tant, qui fait bouger les choses. Elle m’a accompagnée tout ce temps que j’ai passé à Paris, avec ses questions et ses visites dans mon atelier à la Cité des Arts.
Et le fait que mes objets diffèrent un peu de ce qu’elle montre en d’autres occasions, fait justement preuve de son engagement envers un avenir intéressant dans le monde du bijou et d’ornements… d’expression humaine.

Tout était prêt, jeudi 21 mars. Les bijoux avaient traversé la Manche le 18, les vins de Loire patientaient à la cave en attendant des étrangers de marque : une roue de vieux Cheshire, du Cheddar artisanal et un Stilton entier de chez Neal’s Yard, le fromager renommé de Covent Garden.

On se promettait de passer une soirée « So British ». Le printemps nous avais accordé un ciel clément, repoussant la pluie jusqu’à la fin de la fête. Après l’ épisode neigeux de la semaine précédente, tout était à craindre mais un vent de nord-ouest joaillier nous a apporté une douceur bienvenue et a permis aux Parisiens de se déplacer en nombre pour le vernissage de l’exposition « Un Printemps anglais ».

Les dix créateurs britanniques sélectionnés étaient : Jacqueline Cullen, Jo Hayes Ward, Sarah Herriot, Catherine Hills, Josef Koppmann, Lucy Martin, Kayo Saito, Rie Taniguchi, Karola Torkos et Yen. Ils ont été sélectionnés pour leur esthétique et leur univers singuliers, afin de faire découvrir un Art du bijou et de l’orfèvrerie peu connu en France.

Les visiteurs ont pu rencontrer six des créateurs exposés et trois représentants de la Goldsmiths’Company : Paul Dyson, directeur de la communication, David Mills, directeur du marketing et Amanda Stucklin chargée des relations Presse.

L’atmosphère était conviviale et pour ne pas dépayser nos hôtes, 3 superbes fromages anglais étaient proposés à la dégustation.

Les papilles et les yeux ont été comblés. Du côté des yeux, vitrine joyeuse aux notes acidulées pour les créations de Karola Torkos, un univers empreint de poésie pour les figurines semblant sorties de légendes anciennes de Rie Taniguchi.
Le public a beaucoup regardé aussi les créations architecturées de Josef Koppmann, les étranges pièces noires de jais de Jacqueline Cullen et les feuillages rêvés de Kayo Saito…

Exposition prolongée jusqu’au 4 mai !

Le 21 mars, nous avons eu un aperçu de printemps, dehors comme dans la galerie où « Un printemps anglais » s’est installé pour 6 semaines, laissant l’hiver à la porte !

Depuis, on s’emmitoufle mais les courageux ont découvert avec un plaisir non feint, ces bijoux venus d’Outre-Manche, pas si lointains, mais si différents.

La tanzanite est une pierre extraordinaire. Sa couleur bleu outremer aux éclats pourpres est fascinante et sa provenance exclusive… Suivez le guide!

Caractéristiques
La tanzanite est la variété bleue de la zoïsite, un silicate d’aluminium et de calcium, qui cristallise dans le système orthorhombique.
Elle doit sa couleur d’un bleu soutenu jusqu’au violet à la présence de vanadium et de chrome en traces, éléments étrangers à sa composition chimique, qui viennent occuper des positions cristallographiques précises. C’est donc un minéral allochromatique (qui doit sa couleur à des éléments extérieurs à sa structure).
C’est une pierre assez tendre (6 à 7 sur l’échelle de Mohs), elle doit donc être portée, et sertie, avec prudence.

Une pierre « très jeune »
Sa découverte dans le nord de la Tanzanie date de 1967, lorsqu’un berger Massaï du nom de Jumanne Ngoma, ramassa près de Merelani, des cristaux bleus qui brillaient au  soleil. Il montra sa découverte à des négociants en pierre à Arusha qui ne surent pas identifier le minéral. Il poussa donc son voyage jusqu’à Nairobi, muni de ses cristaux bruts, et poussa la porte d’une société de négoce de pierres précieuses.
Il fut reçu par quelques uns de ses représentants qui ne purent non plus mettre un nom sur cette pierre… On lui dit alors qu’on lui ferait savoir dès que le minéral serait identifié. M. Ngoma leur laissa tous ses bruts en échange d’un billet de retour, soit 5$… Mais il attend toujours leur réponse !
C’est d’Idar Oberstein en Allemagne, haut-lieu des professionnels des pierres de couleur (lapidaires, négociants, chercheurs), que vint la réponse : cette découverte n’était pas celle d’un nouveau minéral, mais « seulement » d’une nouvelle variété de zoïsite. Inconnue jusqu’alors mais jusqu’à aujourd’hui, unique au monde.

Malgré ces débuts, peut-être un peu romancés, le commerce de la tanzanite est aujourd’hui entre les mains de nombreux négociants dont la grande majorité sont affiliés à l’assocation ICA (International Colored Gemstone Association) et respectent les règles d’éthique de cette association renommée.

Une couleur captivante
Couvrant une gamme du bleu outremer profond au bleu-violet clair, la tanzanite fut, dès sa découverte, classée parmi les pierres fines importantes, en raison de sa magnifique coloration et de son  « trichroïsme ».
Un peu de vocabulaire pour expliquer mon propos : le pléochroïsme est la propriété de certaines gemmes de posséder plusieurs colorations visibles au dichroscope (2 pour dichroïsme, 3 pour trichroïsme), couleurs parfois même visibles à l’œil nu.
Le dichroscope est un appareil  permettant de dissocier les différentes couleurs d’une gemme, grâce à la juxtaposition de deux filtres polaroïd.
La tanzanite possède un trichroïsme intense bleu/pourpre/brun clair. La couleur pourpre « sous-jacente » est souvent apparente et confère à cette pierre une part de mystère qui la rend terriblement attirante.
Les premiers bruts de tanzanite trouvés en surface étaient d’un bleu profond pour la plupart, (peut-être sous l’effet du rayonnement solaire) mais lorsqu’il a fallu s’attaquer à la roche et creuser plus profond, les cristaux extraits étaient plus souvent bruns (c’est d’ailleurs le cas de plus de 90% de la production actuelle).
Mais pour obtenir ce bleu si intense, il suffit d’un petit traitement thermique : 15 minutes à 520°C… une recette de cuisine en somme!

 

 

Tanzanites, avant et après chauffage

Plus sérieusement, le chauffage permet un transfert définitif de charge d’ions Vanadium V3+ en ions V4+ et  ne peut se faire que sur des pierres contenant peu d’inclusions au risque, sinon, que la pierre ne se brise. Il faut noter que le chauffage fait partie des traitements appliqués aux cristaux depuis la nuit des temps.
 

Gisements : une exclusivité tanzanienne

La zone dans laquelle se trouve la tanzanite ne dépasse guère 8 km de rayon. A ce jour, c’est le seul endroit connu du monde où cette gemme est extraite, dans des conditions difficiles.

Elle se situe au pied des collines Merelani, dans la région d’Arusha, au nord du pays, presqu’à l’ombre du Kilimandjaro, volcan éteint et marque de ce passé géologique tumultueux.
La Tanzanie est située en Afrique de l’est, lieu de profonds bouleversements géologiques  Il y a quelques millions d’années, de multiples fractures dans l’écorce terrestre ont provoqué en surface un fossé, une dépression allongée de plusieurs kilomètres de large sur des centaines de long, et ainsi entraîné la formation de volcans et de lacs : c’est la vallée  du rift.
Les nombreux minéraux et pierres gemmes, comme la tsavorite, le rubis dans la zoïsite verte ou les saphirs aux couleurs particulières, tous présents dans cette région, témoignent de ces grands mouvements tectoniques. Au début de l’exploitation de la tanzanite, les gros cristaux étaient nombreux, mais aujourd’hui, la production, qui se fait dans des conditions plus difficiles, consiste en des cristaux beaucoup plus petits.

Un parrain prestigieux, une croqueuse de diamant et un créateur délirant

Dès qu’on leur présenta les premières pierres taillées, les joailliers de la maison Tiffany eurent un véritable coup de foudre pour sa couleur et décidèrent de créer une collection. Ils baptisèrent la pierre «tanzanite», plus seyant que zoïsite, et dès 1969 lançaient une grande campagne à destination de la clientèle américaine. La pierre eut un succès fou immédiat et l’histoire d’amour continue alors que les grosses pierres se font de plus en plus rares.
Aujourd’hui, les tanzanites de belle qualité et de grande taille n’ont pas de prix!

Elizabeth Taylor, qui eut une véritale histoire d’amour avec les bijoux en général, et certaines pierres en particulier, plongea avec délice dans ce bleu violacé : un collier comprenant 5 rangs de tanzanites orna son cou… assorti à ses yeux bien sûr !

La dernière biennale des antiquaires a mis sous les feux des projecteurs un créateur hong-kongais talentueux : Wallace Chan.
Parmi des créations plus folles les unes que les autres, sa broche « Whimsical blue » illustre cette page de manière spectaculaire. La pierre de centre est une tanzanite de 16,17cts, accompagnée d’un saphir du Cachemire, de jadéite, lapis lazuli et diamants.

Comment nous la portons
La tanzanite, aux couleurs à la fois profondes, chaleureuses et mystérieuses, plait à des personnes au goût affirmé et peu conventionnelles. En bague, elle doit être portée avec égard et ne doit pas être nettoyée aux ultrasons. Il est tentant de la porter en bague, pour l’admirer, mais la mienne est rayée et j’envisage de la remonter sur un collier où elle sera plus en sécurité !

Jacqueline Cullen

Jacqueline Cullen est passionnée par la beauté et le toucher sensuel du jais, ce minéral fossile qu’on trouve encore à Whitby au Nord-est de l’Angleterre. La formation aux arts du spectacle qui précéda ses études de bijouterie l’a prédisposée à s’inspirer des « gestes » dramatiques de la nature : ciels anthracite zébrés d’éclairs, éruptions volcaniques ou falaises déchiquetées par l’érosion…

Les fractures, fissures et crevasses apparentes dans le jais naturel sont des accidents qui nourrissent son imaginaire et sur lesquels elle bâtit des cascades d’or et de diamants.
Elle a reçu de nombreux prix et ses pièces sont présentes dans des collections britanniques, américaines et suisses.
Jacqueline est diplômée de l’université de Brighton et de la prestigieuse Central Saint Martins (Londres).

Jo Hayes-Ward

Jo Hayes-Ward crée des bijoux aux formes simples mais à l’architecture complexe. Ils jouent avec le vide et le plein et sont composés d’un maillage  d’éléments de construction. Quand on les regarde avec attention, ces créations remarquables se fondent dans un filigrane de cubes chatoyants. Jo travaille autant à maîtriser les traces laissées par les outils qu’à récupérer leurs qualités esthétiques.
Sa connaissance approfondie des matériaux, couplée à son expérience de joaillier ont permis à cette artiste de développer un style unique, à la fois classique, contemporain et plein de vie.
Jo est diplômée du Royal College of Arts. (MA RCA).

Sarah Herriot

Après une expérience professionnelle dans l’informatique, Sarah s’est formée aux techniques de l’orfèvrerie en autodidacte.
Son approche est donc très personnelle.
Par leur simplicité et leur élégance naturelle, ses bijoux attirent de nombreux éloges. Leur sobriété et leur design en font des objets exposés dans les galeries du monde entier.
L’ingénierie et le plaisir de concevoir des solutions techniques innovantes jouent un rôle important dans ses créations. Le son clair qui se fait entendre à la fermeture de son bracelet tension offre un exemple de la rigueur et de l’élégance qui émanent de son travail.

Catherine Hills

Les bijoux de Catherine Hills sont inspirés par les formes sensuelles et remarquables trouvées dans la nature. Ils opposent fréquemment des formes lisses avec des surfaces très texturées.
Ses pièces très présentes et cependant féminines se caractérisent par l’utilisation de métaux aux couleurs contrastées et font souvent appel à des composants interchangeables.
Orfèvre depuis 1993, (Royal College of Art), Catherine a remporté de nombreux prix, y compris celui de « Meilleur créateur européen » décerné par les Ateliers d’Art de France en 1996. Elle a reçu des commandes du 10 Downing Street, pour son Altesse Royale le prince de Galles et pour cinq films de la série Harry Potter.

Josef Koppmann

Les opales «Boulder» vibrantes de couleurs, les aigues-marines et le quartz rutile sont souvent mariés à l’or 24 carat et à l’argent massif. Josef Koppmann les dresse au centre de formes évoquant tour à tour l’architecture contemporaine ou des formes plus organiques et fluides.
Josef applique des plaques d’or 24 carat sur l’argent massif en utilisant des techniques traditionnelles. Il aime que l’aspect lisse et tactile de l’argent compense l’allure plus abstraite de l’or fin tout en en révélant la beauté naturelle et le lustre.
Pour lui, les gemmes serties dans ce feuilletage de métaux révèlent davantage les interactions entre lumière, structure et taille.
Une finition parfaite renforce la dynamique de ses bijoux. Leur ligne abstraite alliée à un toucher sensuel leur donne une allure à la fois minimaliste et innovante.
Joseph a étudié au «Arts and Crafts College” de Vienne, en Autriche.

Lucy Martin

Inspirée par l’architecture et les arts décoratifs du milieu du 20ème siècle, Lucy marie lignes angulaires ou asymétriques avec une palette unique de pierres aux tons doux et aux reflets lumineux.Ses outils qui font appel aux techniques de la métallurgie telles que le tournage ou l’utilisation de rivets donnent un aspect industriel à ses bijoux qui évoquent un paysage urbain d’acier, de béton, de néon et d’eau.
En combinant ces éléments très personnels, Lucy crée des bijoux qui sont à la fois forts et féminins.
Lucy a été formée à la « Birmingham School of Jewellery” et à la « Central Saint-Martin School » de Londres.

Kayo Saito

Le travail de Kayo Saito est un hymne à la nature. Ses bijoux évoquent le monde végétal et les formes organiques, ils en imitent le bruissement et les rythmes. La fragilité apparente et les lignes délicates offertes par le monde végétal alliées à l’énergie vitale que ce monde déploie, éveillent sa créativité et comblent son sens esthétique.
Elle choisit avec soin les matières précieuses avec lesquelles elle crée des bijoux d’une rare délicatesse.

Ses œuvres sont exposées par les meilleures galeries européennes et ont été présentées à la foire d’Art contemporain de Maastricht (TEFAF) par la galerie Adrian Sassoon.
Certains bijoux ont été acquis par de grandes collections publiques et privées.
Kayo est diplômée de la « Musahino Art University » de Tokyo et du Royal College of Art (2001).

Rie Taniguchi

D’origine japonaise, Rie est venue à Londres pour se former au métier d’orfèvre et y est restée. Ses principaux centres d’intérêt portent sur les relations entre la nature, la faune et l’homme.
Elle a toujours dessiné. Les contes populaires et les mythes nourrissent son imagination. Elle crée des petits êtres expressifs qu’elle met en scène. On peut les porter sur soi mais de façon éphémère car porter une de ces adorables créatures est comme l’arracher à son univers poétique.

Rie aime ses petites installations mais elle les laisse délibérément un peu obscures afin d’encourager le spectateur à imaginer lui-même la signification de la scène. Regarder une œuvre de Rie Taniguchi c’est comme ouvrir un livre de contes inconnus. Il faut laisser de côté sa raison pour se laisser emporter dans un monde merveilleux.
Rie a étudié l’Art & le Design au « City of London Polytechnic ».

Karola Torkos

Karola Torkos est une artiste qui se confronte aux aspects parfois contradictoires présents dans un concept, une idée ou une collection.
Elle travaille actuellement sur des bijoux à géométrie variable et a l’impression d’avoir découvert un terrain de jeu inépuisable.
Offrir la possibilité de modifier d’un geste l’allure d’un bijou revient pour elle à remettre à celui ou celle qui le porte la responsabilité de la dernière étape du processus de création.

C’est un défi pour elle qui le conçoit comme pour celui ou celle qui l’acquiert et Karola pense que c’est une façon d’entrer dans une relation très personnelle au design ou à l’art.
Karola a étudié à l’Université d’Art et de Design de Burg Giebchenstein sous la direction de Dorothea Prühl et est également diplômée du Royal College of Arts. (MA RCA).

Yen

La principale caractéristique des bijoux de Yen est leur fluidité. Une conception ingénieuse d’éléments articulés rend ses pièces incroyablement agréables à porter et mystérieux à regarder. Les colliers invitent au toucher et au jeu, créant avec leur porteur une relation très sensuelle et seul un regard attentif permet de comprendre comment chaque élément d’or ou d’argent s’articule et se balance souplement.

Chaque collection lui permet de développer un moyen différent d’obtenir ses textures fluides. La collection Molécule est faite de centaines d’éléments fais à la main et accrochés ensemble tandis que la collection « pebble » (galet) fait appel à la granulation et à des articulations soudées.
Yen est diplômée de Sir John Cass University, Londres.

fin